這些動畫不能說是「與體驗設計直接相關」，而是有啟發性的。而且，完全是我個人偏好的選擇，也儘量挑少為人知的作品。像是押井守的《攻殼機動隊》(1995)，也很棒，但太多人知道了，就略過。以下三片，不分排名。
《電腦線圈》(電脳コイル, 2007)
有沒有對元宇宙、虛擬現實(VR)、擴增現實(AR)的設計，能夠不流於技術表面、不那麼科技展風格、有著對日常生活世界氛圍的想像？推薦這一部第39回星雲獎、第29回日本SF大賞的科幻作品。
而且，這是15年前的電視動畫 (2007)。
《電腦線圈》描繪了優子轉學到平凡鄉鎮後，小學生間的普通的日常生活。故事設計出各式各樣的，日常生活中的人機交互介面。例如，將拇指靠近耳朵，小指靠近嘴巴，就是打電話的指令。對數位空間的修改或入侵，要把程式碼做成像是「符咒」一樣貼上或丟出去。作品除了各種人機介面互動的設計之外，在既有的空間中疊加上數位空間的層次，就像是數位雙生(digital twins)的概念一樣。不只如此，作品還探討了不同空間版本迭代後，產生的「數位空間版控」問題。
這部15年前的作品，不但描繪了技術與設計的可能性，也呈現了很多科技誤用、濫用、與可能衍生出的問題。例如，都市改建後巷子不存在了，但因為舊版數位空間還未更新，所以在數位空間中巷子是存在的，然後數位寵物跑進去了，該怎麼找回來？如果跑進舊版數位空間的不是人工智能寵物，而是使用者本體的數位分身，那麼本體的數據還找得回來嗎？如果那個消失的數位分身，播了一通電話給朋友，這通電話傳來的聲音到底是從誰那邊來的？
《電腦線圈》中的主角小學生們，整天想的是如何惡作劇、作弄同學、在玩具店購買破解道具，而因此發生的虛實混合版「校園傳說」與「都市奇譚」。例如，如果戴著眼鏡睡覺，就有可能被「道子(Michiko)」帶到另一個世界去，永遠就醒不來……等等。
數位的體驗設計，重點不在於有「科技有多麽神奇」或是「設計有多麽管用」。「體驗」並不在晶片、不在軟體程式碼、也不在操作介面。而是當人們「使用技術」的同時，使用者會自己去創造、設計、建構、維護一個全新的「社會技術(socio-tech)」生活型態，進而獲得了各自的生活體驗。《電腦線圈》很精彩的呈現了這一個面向。
原作、導演都是磯光雄，製作公司是 MADHOUSE。磯光雄是神級的原畫師，專做難度高的動畫段落[1]。但由他導演的作品並不多，台灣知道的更少。托 Netflix 的福，因為製作了他的新作《地球外少年少女》(2020)，也順手上架了這部2007經典的《電腦線圈》。
《王立宇宙軍》(王立宇宙軍～オネアミスの翼～, 1987)
押井守(攻殼機動隊導演)曾說，撐起日本動畫藝術這些工作者，都有很深的「戀物癖」：對物件的愛好都到了病態的程度，否則沒有辦法用手工創造出那麼生動的事物出來。像是宮崎駿對活塞引擎與螺旋槳的痴迷，就是戀物癖的代表之一。由於對物件的痴迷，日本動畫創作者們會「不滿足」於現行的主流物件，進而去尋找各式各樣的，被「歷史演化」過程中被淘汰掉的設計物，並透過動畫這種媒介，將這些設計與使用的場景，重新復活起來。
推測設計(Speculative design)有個概念，就是「架空」(Alternative)。稍稍轉一個彎，我們可能有不同的現在、未來、生活世界與事物。 這其實也是很多科幻小說的創作方式，像是科幻大師 Philip Dick 的經典《高堡奇人》（The Man in the High Castle），就是設定為二戰後軸心國戰勝同盟國，日德瓜分美國後的架空歷史故事。 《王立宇宙軍》就是日本動畫中，把「架空設定」做到極致的作品。這部動畫描繪的以科技水平才準備要發射載人火箭到太空的時代，戰鬥機還是螺旋槳與次音速噴射機。大概是 1950-60年代。從服飾、宗教、儀式、文字、貨幣、大眾運輸系統、售票機、機車、電車、等等，全部都重新設計成為另一種「架空但合理的設計」。
《王立宇宙軍》對架空物件的描繪不只停留在造型與功能上，而是把架空物件放在實際的使用場景中。例如，他們的硬幣不是圓的，而是「棒狀」的，不同幣值的長短與材質不一。而這些硬幣的使用：是透過投販賣機、選取物品、找零、取物的歷程，在具體生活場景中一一繪製出來。
1987年這作品的主創當年也都很年輕：
- [原案、導演、編劇] 山賀博之，25歲
- [人物設定] 貞本義行，25歲
- [副導演] 樋口真嗣，22歲
- [原畫] 庵野秀明，27歲；前田真宏，24歲
這些名字現在可是赫赫有名，但當年就是一群20幾歲的熱血動漫御宅。這些年輕人，為了拍人生第一部動畫電影，膽大包天地成立了動畫公司。因為對細節無止境的講究，作品預算燒了8億日幣。8億元有多大？前一年(1986)上映的宮崎駿動畫《天空之城》，全年票房也才5億8千萬。後來，這部不計成本無視於市場偏好的電影，票房「果然」只回收了「3億4700萬」，慘賠作收。
熱血逐夢的結果，換得光榮的失敗，以及下個時代的未來。這家運氣不好的動畫公司叫做 GAINAX，到了1995年推出了《新世紀福音戰士》，成為帶領御宅世代的動漫文化熱潮的指標型公司。
《哆啦A夢》電視動畫 (ドラえもん, 1979)
《哆啦A夢》是個家喻戶曉的作品，但也是探討科技與日常生活使用的寓言。
藤子·F·不二雄其實是一位偉大的科幻作家。他的科幻不是黃金世代那種波瀾壯闊的宇宙史詩，反而更像是日常生活中的科技創新。每一集的《哆啦A夢》情節，有一個基本「設計反轉」模板：
(1) 在日常生活中遇到了問題；
(2) 有一個能解決問題的未來科技產品；
(3) 運用產品解決問題；
(4) 科技的延伸使用、誤用與濫用；
(5) 導致的災難。
典型的「設計思考」，是依序 (1)(2)(3)的「發現問題」到「解決問題」敘事，但《哆啦A夢》探討的還要深入的多，會將使用行為延伸到 (4)「使用者自發性地創造新的使用價值」，而且當設計被誤用與濫用時，發生 (5) 預期以外的結果。
我們也許可以試著把《哆啦A夢》的角色當成設計物的 Personas 看看。靜香與小衫代表的是「正常使用者」，但大雄、胖虎、小夫，這三位可是「更有創造力(破壞力)的使用者」，往往可以在設計師(哆啦A夢)的預期之外「創造出全新的使用價值」：即便不一定是往好的那一方面發展。 Michel de Certeau 認為，人們本來就會抄捷徑、打混摸魚、挪用魔改，創造性使用才是人們生活的日常。在《日常生活實踐》（The Practice of Everyday Life）一書中，他認為消費者（使用者）並不只是被動的、受生產者（設計者）支配的一方，也會進行另一種「生產（設計）行為」，而且是「迂迴地、偷偷的、游擊戰式的」透過另類的使用方式，來「設計自己的生活」，把主導生活的權力奪取回來。 從這個層面來看，反而是「設計思考」的解題模式太單純，而《哆啦A夢》的「設計反轉」模式，更貼近真實世界場景，使用者真正能成為一個「有賦予價值權力的行動者」。
設計師如果只停留在「設計是為了解決問題」，就流失了探究真實使用的情境、把整個使用脈絡納進設計體系的機會。當設計師的想像力不只停留在「找出新的解決問題手段」，也要能想到「使用者如何對設計再設計」的各種可能性。《哆啦A夢》給我們一個工具，當在想設計的時候，也想著要是野比大雄跟他的小夥伴們，可能會怎麼樣用我們的設計？又會搞出什麼樣的風波與意外？
[1] 磯光雄被稱為新寫實派的作畫代表人物。磯光雄的經典作畫片段分析講座，可以看到一些經典片段其實都是出自磯光雄的手筆 https://www.youtube.com/watch?v=O3XgE3m-Sg0 ↩︎
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